Das Gefängnis als Höllenschlund, der Höllenschlund als Sweet Spot – in Harald Beharies neuester Produktion wird der Zwischenraum zum ruhelosen Terrain: Körper verdrehen sich, dehnen sich aus, kollektive Körper entstehen und brechen freudvoll zusammen. Nordische Folklore wird gebogen, gedehnt und verzerrt, widersprüchliche Stimmungen treffen auf der Schwelle zwischen Leben und Tod aufeinander. Ausgehend vom norwegischen Begriff Leikarring, einem Kreistanz, bei dem sich die Tänzer*innen an den Händen halten sowie die Legenden von Geiger*innen, die nicht aufhören können zu spielen, wird Sweet Spot ein Zustand ständiger Transformation: Figuren vagabundieren zwischen Hingabe und Fürsorge, zwischen Ausbruch und Stillstand. Flüchtige Fiktionen rund um den queeren Körper eröffnen Raum für Rituale, neue Formen des Miteinanders und unheimliches Spiel. Im Rahmen des Festival Theaterformen 2026.

Chaos als Strategie des Widerstands? Hornfuckers führt uns in ein postapokalyptisches Universum, das unsere Realität widerspiegelt – eine Welt der Gegensätze, die Grausamkeit und Gewalt feiert, während zugleich ums Überleben gekämpft wird. Diana Niepce konfiguriert den Körper in diesem System neu, das sowohl Stabilität als auch Unterdrückung hervorbringt: Bewegungen aus Tanz und Luftakrobatik lassen die Koexistenz von Ordnung und Chaos auf der Bühne zu einem Balanceakt werden, Körper agieren über ihre Grenzen hinaus und trotzen der Schwerkraft. Auf instabilem Terrain geraten etablierte Normen und ihre Hierarchien aus dem Gleichgewicht. Düster und poetisch zugleich erforscht Diana Niepce die Frage, was wir selbst sind und was uns das System auferlegt.

Vom 11. bis zum 13. Juni 2026 findet Choreography, der Internationale Wettbewerb für Choreographie, zum 40. Mal in Hannover statt und gilt damit als der weltweit langlebigste und renommierteste Choreographiewettbewerb. Auch dieses Jahr unterstreicht die Internationalität der Teilnehmer*innen aus 17 Nationen ebenso wie die hochkarätig besetzte Jury und zehn Produktionspreise seine herausragende Bedeutung innerhalb der internationalen Tanzszene. Am Donnerstag startet der Wettbewerb mit dem ersten Semifinale. Die Teilnehmer*innen sind sind: Karim Khouader, Frankreich Alessio Monforte, Italien Giovanni Napoli, Italien Ravid Abarbanel, Portugal Daniel Dragomir, Rumänien Selene Martello & Dario Wilmington, Italien / Deutschland Pablo Navarro Muñoz & Yordi Yasiel Pérez Cardoso, Spanien / Kuba Nikoline Due & Abel Rojo, Dänemark / Kuba Lesego Dihemo, Sibusiso Gumede, Tebogo Lelaletse, Südafrika Zoe Ashe-Browne, Irland

Vom 11. bis zum 13. Juni 2026 findet Choreography, der Internationale Wettbewerb für Choreographie, zum 40. Mal in Hannover statt und gilt damit als der weltweit langlebigste und renommierteste Choreographiewettbewerb. Auch dieses Jahr unterstreicht die Internationalität der Teilnehmer*innen aus 17 Nationen ebenso wie die hochkarätig besetzte Jury und zehn Produktionspreise seine herausragende Bedeutung innerhalb der internationalen Tanzszene. Am Samstag findet das Finale und snschließend die Preisverleihung statt.

Das Gefängnis als Höllenschlund, der Höllenschlund als Sweet Spot – in Harald Beharies neuester Produktion wird der Zwischenraum zum ruhelosen Terrain: Körper verdrehen sich, dehnen sich aus, kollektive Körper entstehen und brechen freudvoll zusammen. Nordische Folklore wird gebogen, gedehnt und verzerrt, widersprüchliche Stimmungen treffen auf der Schwelle zwischen Leben und Tod aufeinander. Ausgehend vom norwegischen Begriff Leikarring, einem Kreistanz, bei dem sich die Tänzer*innen an den Händen halten sowie die Legenden von Geiger*innen, die nicht aufhören können zu spielen, wird Sweet Spot ein Zustand ständiger Transformation: Figuren vagabundieren zwischen Hingabe und Fürsorge, zwischen Ausbruch und Stillstand. Flüchtige Fiktionen rund um den queeren Körper eröffnen Raum für Rituale, neue Formen des Miteinanders und unheimliches Spiel. Im Rahmen des Festival Theaterformen 2026.

KARŌSHI nimmt das Publikum mit auf eine bewegende Reise durch die körperlichen und emotionalen Erfahrungen von Überlastung und Burnout – von unaufhörlicher Aktivität über tiefe Erschöpfung bis hin zum Moment des Zusammenbruchs. Mit ausdrucksstarker Bewegung aus zeitgenössischem Tanz und Hip-Hop zeigt das Stück, wie gesellschaftlicher Druck, ständige Verantwortung und Leistungszwang unser Leben prägen. Gleichzeitig öffnet KARŌSHI einen Raum für Hoffnung: Es entwirft visionäre, feministische Bilder einer fürsorglichen und solidarischen Gemeinschaft und lädt dazu ein, neue Wege für Verbindung, Heilung und gemeinsame Stärke zu entdecken. Ein Stück über Belastung, Reflexion und die Kraft, neu zu beginnen. Die Produktion wurde gefördert durch die Stiftung Niedersachsen und die Tanzjury der Landeshauptstadt Hannover und ermöglicht durch die Unterstützung des Landesverband freie darstellende Künste Niedersachsen und Kunstverein Hannover. Die Wiederaufnahme wird vom Kulturbüro der Landeshauptstadt Hannover, der EISFABRIK Hannover und dem Landesverband freie darstellende Künste Niedersachsen unterstützt.

KARŌSHI nimmt das Publikum mit auf eine bewegende Reise durch die körperlichen und emotionalen Erfahrungen von Überlastung und Burnout – von unaufhörlicher Aktivität über tiefe Erschöpfung bis hin zum Moment des Zusammenbruchs. Mit ausdrucksstarker Bewegung aus zeitgenössischem Tanz und Hip-Hop zeigt das Stück, wie gesellschaftlicher Druck, ständige Verantwortung und Leistungszwang unser Leben prägen. Gleichzeitig öffnet KARŌSHI einen Raum für Hoffnung: Es entwirft visionäre, feministische Bilder einer fürsorglichen und solidarischen Gemeinschaft und lädt dazu ein, neue Wege für Verbindung, Heilung und gemeinsame Stärke zu entdecken. Ein Stück über Belastung, Reflexion und die Kraft, neu zu beginnen. Die Produktion wurde gefördert durch die Stiftung Niedersachsen und die Tanzjury der Landeshauptstadt Hannover und ermöglicht durch die Unterstützung des Landesverband freie darstellende Künste Niedersachsen und Kunstverein Hannover. Die Wiederaufnahme wird vom Kulturbüro der Landeshauptstadt Hannover, der EISFABRIK Hannover und dem Landesverband freie darstellende Künste Niedersachsen unterstützt. Credits: Konzept & Choreografie: Kerstin Möller & Manuela Bolegue Tanz: Yuri Fortini, Alina Jaggi, Josh Haines Dramaturgische Beratung: Heike Bröckerhoff Musik: ABBA, Thom Yorke, Radiohead, Caterina Barbieri und Bendik Giske, Kerstin Möller Licht: Jörg Finger und Kerstin Möller

Vom 11. bis zum 13. Juni 2026 findet Choreography, der Internationale Wettbewerb für Choreographie, zum 40. Mal in Hannover statt und gilt damit als der weltweit langlebigste und renommierteste Choreographiewettbewerb. Auch dieses Jahr unterstreicht die Internationalität der Teilnehmer*innen aus 17 Nationen ebenso wie die hochkarätig besetzte Jury und zehn Produktionspreise seine herausragende Bedeutung innerhalb der internationalen Tanzszene. Am Freitag findet das zweite Semifinale statt. Die Teilnehmer*innen sind: Hannah Ekholm & Faye Stoeser, Schweden / Großbritannien Jack Bannerman, Australien Lou Cisnal, Amélie Delaunay, Elisa Picq, Marine Postel, Frankreich Jiani Wang & Weidi Feng, China Boris Orihuela & Jessica Castellon, Spanien Leo Gnatzy, Deutschland Danae & Dionysios, Griechenland / Philippinen Adi Schwarz, Tschechien Jeanne Garcia, Frankreich Joan Ferré Gómez, Spanien

Chaos als Strategie des Widerstands? Hornfuckers führt uns in ein postapokalyptisches Universum, das unsere Realität widerspiegelt – eine Welt der Gegensätze, die Grausamkeit und Gewalt feiert, während zugleich ums Überleben gekämpft wird. Diana Niepce konfiguriert den Körper in diesem System neu, das sowohl Stabilität als auch Unterdrückung hervorbringt: Bewegungen aus Tanz und Luftakrobatik lassen die Koexistenz von Ordnung und Chaos auf der Bühne zu einem Balanceakt werden, Körper agieren über ihre Grenzen hinaus und trotzen der Schwerkraft. Auf instabilem Terrain geraten etablierte Normen und ihre Hierarchien aus dem Gleichgewicht. Düster und poetisch zugleich erforscht Diana Niepce die Frage, was wir selbst sind und was uns das System auferlegt.

Zwei Perspektiven, zwei Handschriften – und viele Fragen, die uns alle betreffen: Wie gehen wir mit Unsicherheit, Dunkelheit und inneren Spannungen um?
 Was passiert in den Momenten dazwischen – zwischen Aufbruch und Abschied, Nähe und Abstand, Klarheit und Zweifel? Und wie können wir uns dem Werden und Vergehen ganz hingeben?

In ihrer neuen Produktion forscht die Choreografin und Tänzerin Zufit Simon zur Körpersprache von Angriffslust, Machtspielen und Gewalt. Inspiriert vom Bild des Boxclubs - einem verborgenen, ritualisierten Raum männlicher Selbsterprobung, entsteht ein performativer Raum, eine Art Ring, der Körperbilder, Machtverhältnisse und Geschlechterstereotype befragt und dekonstruiert. Es ist ein Stück über den Kampf – als Akt des Widerstands, als Ritual der Selbstbehauptung und als Möglichkeit, neue Gemeinschaften zu erfinden. Zufit Simon erhielt 2025 den Tanzpreis der Stadt München für ihr Lebenswerk, seit 20 Jahren zeigt sie ihre Produktionen in der freien Szene und performt gemeinsam mit ihrem Team stets selbst mit auf der Bühne. „Radical Cheerleading“ hat 2024 den Preis des Best OFF Festival Freier Theater der Stiftung Niedersachsen erhalten, mit dem Preisgeld erhält Zufit Simon die Gelegenheit, die Eröffnungsproduktion des biennal stattfindenden Festivals zu choreografieren. Eine Produktion von Zufit Simon / artblau Tanzwerkstatt. Gefördert von der Stiftung Niedersachsen. In Kooperation mit dem Kulturreferat der Landeshauptstadt München. Zufit Simon ist Mitglied von Tanztendenz München e.V.

Alba Scharnhorst und Selina Glockner widmen sich in der Tanz- und Objekttheater-Performance REDSHIFT dem Streben nach Macht aus einer weiblichen* Perspektive. Mit waghalsigen Choreografien und sich verflüssigenden Körpern lädt die Performance dazu ein, die eigene Wahrnehmung von Weiblichkeit* zu verschieben, weibliche* Macht in ihrer Fragilität wie auch Brutalität zu erleben und sich gesellschaftlichen Utopien und persönlichen Wunschträumen hinzugeben.

Alba Scharnhorst und Selina Glockner widmen sich in der Tanz- und Objekttheater-Performance REDSHIFT dem Streben nach Macht aus einer weiblichen* Perspektive. Mit waghalsigen Choreografien und sich verflüssigenden Körpern lädt die Performance dazu ein, die eigene Wahrnehmung von Weiblichkeit* zu verschieben, weibliche* Macht in ihrer Fragilität wie auch Brutalität zu erleben und sich gesellschaftlichen Utopien und persönlichen Wunschträumen hinzugeben.

I am [not] Giselle ist ein choreografisches Experiment auf der Suche nach der realen Frau im romantischen und zeitgenössischen Ballett. In dieser Version verkörpern ein Tänzer und eine Tänzerin gemeinsam diese vielschichtige weibliche Figur und durchbrechen damit die Vorstellung, dass das Geschlecht bestimmt, wer bestimmte Identitäten oder Erfahrungen darstellen kann. Ihre unterschiedlichen, aber gleichermaßen gültigen Körper verleihen den komplexen und widersprüchlichen Facetten des Frauseins Ausdruck – jenseits dessen, was erwartet oder projiziert wird. Beide Interpret*innen erforschen eigene und fremd projizierte Sehnsüchte und Leidenschaften, Zustände von Abhängigkeit und Autonomie sowie die Spannung zwischen dem Körper als Objekt des Blicks und dem Körper als Subjekt von Begehren, Kraft und Lust. Choreografie, musikalische Komposition, Kostüm und Szenografie erschaffen eine Ästhetik und eine ausdrucksstarke Sprache der Selbstforschung und öffnen einen Raum, in dem die Figur der Giselle als reale, vielfältige und zutiefst menschliche Frau neu entstehen kann – frei von den Grenzen, die das Geschlecht und dessen Betrachter ihr auferlegen wollen.

Müdigkeit und Widerstand, Solidarität und Zärtlichkeit, Abhängigkeit und Vertrauen. Für/Sorge choreografiert sich mit jedem Atemzug über Generationen hinweg aufs Neue. tilted collective widmet sich in der Tanz- und Objekttheaterperformance „Couldn’t care less“ der Für/Sorge als Grundbedürfnis, die wir brauchen wie die Luft zum Atmen.
In raumgreifenden Objekten treten Facetten und Widersprüche von Für/Sorge in Erscheinung und erzeugen feinstoffliche Zwischentöne, denen wir nur selten eine Bühne geben.

Müdigkeit und Widerstand, Solidarität und Zärtlichkeit, Abhängigkeit und Vertrauen. Für/Sorge choreografiert sich mit jedem Atemzug über Generationen hinweg aufs Neue. tilted collective widmet sich in der Tanz- und Objekttheaterperformance „Couldn’t care less“ der Für/Sorge als Grundbedürfnis, die wir brauchen wie die Luft zum Atmen.
In raumgreifenden Objekten treten Facetten und Widersprüche von Für/Sorge in Erscheinung und erzeugen feinstoffliche Zwischentöne, denen wir nur selten eine Bühne geben.

Müdigkeit und Widerstand, Solidarität und Zärtlichkeit, Abhängigkeit und Vertrauen. Für/Sorge choreografiert sich mit jedem Atemzug über Generationen hinweg aufs Neue. tilted collective widmet sich in der Tanz- und Objekttheaterperformance „Couldn’t care less“ der Für/Sorge als Grundbedürfnis, die wir brauchen wie die Luft zum Atmen.
In raumgreifenden Objekten treten Facetten und Widersprüche von Für/Sorge in Erscheinung und erzeugen feinstoffliche Zwischentöne, denen wir nur selten eine Bühne geben.

Müdigkeit und Widerstand, Solidarität und Zärtlichkeit, Abhängigkeit und Vertrauen. Für/Sorge choreografiert sich mit jedem Atemzug über Generationen hinweg aufs Neue. tilted collective widmet sich in der Tanz- und Objekttheaterperformance „Couldn’t care less“ der Für/Sorge als Grundbedürfnis, die wir brauchen wie die Luft zum Atmen.
In raumgreifenden Objekten treten Facetten und Widersprüche von Für/Sorge in Erscheinung und erzeugen feinstoffliche Zwischentöne, denen wir nur selten eine Bühne geben.

Müdigkeit und Widerstand, Solidarität und Zärtlichkeit, Abhängigkeit und Vertrauen. Für/Sorge choreografiert sich mit jedem Atemzug über Generationen hinweg aufs Neue. tilted collective widmet sich in der Tanz- und Objekttheaterperformance „Couldn’t care less“ der Für/Sorge als Grundbedürfnis, die wir brauchen wie die Luft zum Atmen.
In raumgreifenden Objekten treten Facetten und Widersprüche von Für/Sorge in Erscheinung und erzeugen feinstoffliche Zwischentöne, denen wir nur selten eine Bühne geben.

... über Fürsorge als kollektive Praxis und politisches Handeln Wie kann Fürsorge in einer von Krisen, Ungleichheit und Rückzug geprägten Gegenwart gelebt werden? Dare to Care stellt diese Frage ins Zentrum einer choreografischen Auseinandersetzung, die Fürsorge nicht als Schwäche, sondern als widerständige Praxis versteht,gegen Ausgrenzung, Vereinzelung und normierende Vorstellungen von Nähe, Autonomie und Gemeinschaft. Das Stück verhandelt Fürsorge als politisches Handeln: Wer wird gesehen? Wer wird geschützt? Wessen Bedürfnisse gelten als legitim und wessen nicht? Ausgehend von den Perspektiven der „Disability Justice“richtet Dare to Care den Blick auf Körper, die in unserer Gesellschaft als „abhängig“, „abweichend“ oder „unsichtbar“ markiert werden. Die Produktion begreift gegenseitige Abhängigkeit nicht als Makel, sondern als Realität und als Potenzial solidarischer Beziehungen. Dare to Care fragt: Wie lässt sich Verantwortung füreinander übernehmen, ohne in Machtverhältnisse zu verfallen? Was bedeutet es, füreinander da zu sein, körperlich, emotional, sozial – jenseits von Leistungsdruck und gesellschaftlicher Norm? Das Stück lädt dazu ein, Fürsorge nicht als private Aufgabe, sondern als kollektive, intersektional gedachte Praxis zu verstehen. Eine Einladung, neue Formen des Miteinanders zu entwickeln zwischen Körpern, Biografien und gesellschaftlichen Realitäten.

Müdigkeit und Widerstand, Solidarität und Zärtlichkeit, Abhängigkeit und Vertrauen. Für/Sorge choreografiert sich mit jedem Atemzug über Generationen hinweg aufs Neue. tilted collective widmet sich in der Tanz- und Objekttheaterperformance „Couldn’t care less“ der Für/Sorge als Grundbedürfnis, die wir brauchen wie die Luft zum Atmen.
In raumgreifenden Objekten treten Facetten und Widersprüche von Für/Sorge in Erscheinung und erzeugen feinstoffliche Zwischentöne, denen wir nur selten eine Bühne geben.

Müdigkeit und Widerstand, Solidarität und Zärtlichkeit, Abhängigkeit und Vertrauen. Für/Sorge choreografiert sich mit jedem Atemzug über Generationen hinweg aufs Neue. tilted collective widmet sich in der Tanz- und Objekttheaterperformance „Couldn’t care less“ der Für/Sorge als Grundbedürfnis, die wir brauchen wie die Luft zum Atmen.
In raumgreifenden Objekten treten Facetten und Widersprüche von Für/Sorge in Erscheinung und erzeugen feinstoffliche Zwischentöne, denen wir nur selten eine Bühne geben.

Müdigkeit und Widerstand, Solidarität und Zärtlichkeit, Abhängigkeit und Vertrauen. Für/Sorge choreografiert sich mit jedem Atemzug über Generationen hinweg aufs Neue. tilted collective widmet sich in der Tanz- und Objekttheaterperformance „Couldn’t care less“ der Für/Sorge als Grundbedürfnis, die wir brauchen wie die Luft zum Atmen.
In raumgreifenden Objekten treten Facetten und Widersprüche von Für/Sorge in Erscheinung und erzeugen feinstoffliche Zwischentöne, denen wir nur selten eine Bühne geben.

Müdigkeit und Widerstand, Solidarität und Zärtlichkeit, Abhängigkeit und Vertrauen. Für/Sorge choreografiert sich mit jedem Atemzug über Generationen hinweg aufs Neue. tilted collective widmet sich in der Tanz- und Objekttheaterperformance „Couldn’t care less“ der Für/Sorge als Grundbedürfnis, die wir brauchen wie die Luft zum Atmen.
In raumgreifenden Objekten treten Facetten und Widersprüche von Für/Sorge in Erscheinung und erzeugen feinstoffliche Zwischentöne, denen wir nur selten eine Bühne geben.

Zwei Perspektiven, zwei Handschriften – und viele Fragen, die uns alle betreffen: Wie gehen wir mit Unsicherheit, Dunkelheit und inneren Spannungen um?
 Was passiert in den Momenten dazwischen – zwischen Aufbruch und Abschied, Nähe und Abstand, Klarheit und Zweifel? Und wie können wir uns dem Werden und Vergehen ganz hingeben?

Die Choreograf*innen Laura Hicks und Ilana Reynolds laden zu einem Abend schräg-komischer Gastfreundschaft. „We Are All Here - The Show” bittet das Publikum zu einem Abend schräg-komischer Gastfreundschaft. Die Choreograf*innen Ilana Reynolds und Laura Hicks stürzen sich mit eigensinnigem, feinem Humor und Fürsorge auf nordamerikanische Stereotype und laden das Publikum ein, sich selbst mit den Gastgeberinnen zu verwechseln. Die Show betrachtet vielfältige Beziehungsmuster durch die Brille der Gastfreundschaft – zwischen Performer*innen und Publikum, innerhalb des eigenen Körpers oder in Beziehung zum Planeten. Zwischen Unvorhersehbarkeit und Unsicherheit schiebt sich eine leise Hoffnung: Willkommen!

Du betrittst einen Raum. Du setzt eine undurchsichtige Brille auf, dann einen Kopfhörer. Eine Stimme erklingt und eine Hand greift sanft nach der deinen – sie führt dich durch reale und imaginierte Räume. Hab Vertrauen. Dein Herzschlag wird schneller. Du spürst, fühlst, riechst, läufst. Alle Bilder nur in deinem Kopf. Du bist machtlos, aber nicht allein. Krass, denkst du, so muss sich das also anfühlen. Bedrückend. Hoffnungsvoll. Ausgeliefert. Beschützt. Du bist erschreckt, staunst und weinst vielleicht. Und dann ist es vorbei. Du warst nur eine halbe Stunde weg. Aber du warst weit weg. Hinweise: Die Zuschauer_innen können Tickets für bestimmte Zeitfenster wählen. Ihr Ticket ist nur für den von Ihnen gebuchten Termin gültig. Wir bitten Sie rechtzeitig zum gebuchten Termin zu erscheinen. Bitte bequeme Schuhe (ohne Absätze) tragen.

CLASH ist eine Spurensuche nach zwischenmenschlichen Konflikten. “We don't necessarily have to agree on everything. Maybe we were both wrong, and maybe the solution is someplace else. I think the challenge for us as humans is to be able to find a solution while holding space for that conflict.” (Pietro Fiorentini) Zwei Tänzer*innen betreten die Bühne. Es clasht. Sie verheddern sich ineinander, müssen Spannungen aushalten, die Perspektive wechseln. Wo ist Raum für Dialog und wann eskaliert die Situation? Was bedeutet es, mit einem anderen Menschen in Beziehung zu treten und Kompromisse auszuhandeln? >> u.p. forscht nach Möglichkeiten, wie Tanz dazu beitragen kann, Konflikte zu verstehen, ihre gewaltfreie, transformative Kraft zu nutzen und handlungsfähig zu bleiben.

Tanzstück für Kinder ab 8 Jahren ‍ Hast du dir schon mal gewünscht, die Zeit anhalten zu können? Einen Moment ein bisschen langsamer zu erleben? Dich gefragt, warum die Zeit manchmal so schnell an dir vorbei rast? In dem berühmten Roman “Momo” von Michael Ende rettet das Kind Momo mit der Schildkröte Kassiopeia und Meister Hora die Zeit vor den Grauen Herren. Der Roman erzählt von Langsamkeit und Freundschaft, aber auch davon, was passiert, wenn diese Dinge verloren gehen, wenn die Zeit verloren geht. u.p. tauchen tänzerisch in diese Geschichte und in Momo’s wundersame Charaktere hinein und begeben sich mit ihnen auf eine aufregende Suche nach der Bedeutung von Zeit und Gemeinschaft.

CLASH ist eine Spurensuche nach zwischenmenschlichen Konflikten. “We don't necessarily have to agree on everything. Maybe we were both wrong, and maybe the solution is someplace else. I think the challenge for us as humans is to be able to find a solution while holding space for that conflict.” (Pietro Fiorentini) Zwei Tänzer*innen betreten die Bühne. Es clasht. Sie verheddern sich ineinander, müssen Spannungen aushalten, die Perspektive wechseln. Wo ist Raum für Dialog und wann eskaliert die Situation? Was bedeutet es, mit einem anderen Menschen in Beziehung zu treten und Kompromisse auszuhandeln? >> u.p. forscht nach Möglichkeiten, wie Tanz dazu beitragen kann, Konflikte zu verstehen, ihre gewaltfreie, transformative Kraft zu nutzen und handlungsfähig zu bleiben.

Das war schon immer so und wird immer so sein. Er holt diejenigen ein, die sich weigern, denn er ist Teil unserer Existenz: ein Wille zur Freiheit und zur Macht. Es gibt diejenigen, die die Illusion ihrer Autonomie akzeptieren, ohne zu versuchen, aus diesem Tanz auszusteigen. Und es gibt diejenigen, die kämpfen, mutig, naiv, egoistisch, selbstbewusst, unvernünftig, Hals über Kopf. Blindlings nach oben kämpfend in der Dunkelheit unserer eigenen Existenz. Um am Leben zu sein. Koste es, was es wolle. SABOTAGE wirft einen nachsichtigen, humorvollen und dramatischen Blick auf die menschliche Natur. Tänzer und menschengroße Puppen agieren gemeinsam in einem ausgeklügelten und absurden manuellen System aus Schnüren und Umlenkrollen.